Gedächtnis und Projektion

Kracauer Lectures in Film and Media Theory

Kracauer Lectures in Film and Media Theory

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Lagt till seven år sedan

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In Her Ellement

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Navigating Career Pivots and Grit with Milo’s Avni Patel Thompson 26:18

för 16 dagar sedan26:18

Spela Senare

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Gillad

26:18

How do you know when it’s time to make your next big career move? With International Women’s Day around the corner, we are excited to feature Avni Patel Thompson, Founder and CEO of Milo. Avni is building technology that directly supports the often overlooked emotional and logistical labor that falls on parents—especially women. Milo is an AI assistant designed to help families manage that invisible load more efficiently. In this episode, Avni shares her journey from studying chemistry to holding leadership roles at global brands like Adidas and Starbucks, to launching her own ventures. She discusses how she approaches career transitions, the importance of unpleasant experiences, and why she’s focused on making everyday life easier for parents. [01:26] Avni's University Days and Early Career [04:36] Non-Linear Career Paths [05:16] Pursuing Steep Learning Curves [11:51] Entrepreneurship and Safety Nets [15:22] Lived Experiences and Milo [19:55] Avni’s In Her Ellement Moment [20:03] Reflections Links: Avni Patel Thompson on LinkedIn Suchi Srinivasan on LinkedIn Kamila Rakhimova on LinkedIn Ipsos report on the future of parenting About In Her Ellement: In Her Ellement highlights the women and allies leading the charge in digital, business, and technology innovation. Through engaging conversations, the podcast explores their journeys—celebrating successes and acknowledging the balance between work and family. Most importantly, it asks: when was the moment you realized you hadn’t just arrived—you were truly in your element? About The Hosts: Suchi Srinivasan is an expert in AI and digital transformation. Originally from India, her career includes roles at trailblazing organizations like Bell Labs and Microsoft. In 2011, she co-founded the Cleanweb Hackathon, a global initiative driving IT-powered climate solutions with over 10,000 members across 25+ countries. She also advises Women in Cloud, aiming to create $1B in economic opportunities for women entrepreneurs by 2030. Kamila Rakhimova is a fintech leader whose journey took her from Tajikistan to the U.S., where she built a career on her own terms. Leveraging her English proficiency and international relations expertise, she discovered the power of microfinance and moved to the U.S., eventually leading Amazon's Alexa Fund to support underrepresented founders. Subscribe to In Her Ellement on your podcast app of choice to hear meaningful conversations with women in digital, business, and technology.…

för 5 år sedan

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Das Wahrnehmen filmischer Bilder ist genuin an Gedächtnisprozesse gebunden, die sowohl kulturellen wie auch individuellen Ursprungs sind. Vor diesem Hintergrund soll im Vortrag das Phänomen der Reprise in Zusammenhang mit dem Dispositiv der Projektion betrachtet werden, das sich genau dadurch auszeichnet, dass es Bilder zur Erscheinung bringt, indem es andere, zuvor gesehene, verschwinden lässt. Der Vortrag geht u.a. von einigen Filmen aus dem Werk des amerikanischen Künstlers Bruce Conner aus.

Christa Blümlinger ist Professorin für Filmwissenschaft an der Universität Paris 8 Vincennes-Saint-Denis. Beiratsmitglied von Forum Expanded/Berlinale. Kuratierte und jurierte für mehrere internationale Filmfestivals. Zahlreiche Publikationen insbesondere zu Filmtheorie, Dokumentar- und Avantgardefilm, sowie zur Medienkunst. Deutsche Buchpublikationen (Auswahl): Schriften von Serge Daney: Von der Welt ins Bild. Augenzeugenberichte eines Cinephilen. Berlin: Vorwerk 8, 2000 (Herausgabe), Das Gesicht im Zeitalter des bewegten Bildes (hg. gem. mit Karl Sierek, Wien, Sonderzahl, 2002), Kino aus zweiter Hand. Formen materieller Aneignung im Film und in der Medienkunst (Vorwerk 8, 2009). Jüngste französische Buchpublikation: Théâtres de la mémoire – images en mouvement, Reihe Théorème 14, hrsg. gem. mit Michèle Lagny, Sylvie Lindeperg u.a., PSN, Paris, 2011.

38 episoder

#Bildende Kunst #Kunst #Goethe-Universität Frankfurt am Main #Lehrstuhl für Filmwissenschaft #Video

Kracauer Lectures in Film and Media Theory

Gedächtnis und Projektion

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published för 5 år sedan

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Kracauer Lectures in Film and Media Theory

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The Longest Revolution, or Notes on 'Authoritarian Populism' for Media Critique

för 3 years sedan

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Stuart Hall’s concept of “authoritarian populism” has proven to be a powerful, prescient, and lasting contribution to cultural critique. And yet, beyond providing a general description of seemingly contradictory political movements, what can it reveal of the specificities of our current historical moment and the role media plays in populist formations? This presentation argues that an intensified relationship between political culture and the popular in the United States and elsewhere has posed a challenge to the cultural left. Post-truth, “fake news,” anti-humanist, and accelerationist critiques will not suffice, however tentatively productive they may at times be for scholarly debate. Writing of the critical failures of his time, Antonio Gramsci attacked intellectual decadence and negative critique that sowed the seeds of doubt, skepticism, and mistrust. He was especially critical of what he called “pocket-geniuses” found in “facile journalistic improvisations.” Extending to our age, this presentation provides a genealogy of “authoritarian populism” and assesses how it might help us find the critical purchase we need to provide better descriptions, understandings, and engagements with contemporary popular media.…

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Symptoms and Submergence: A Media History of Shipwrecks

för 4 years sedan

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In this talk I attempt an intimate and immersive story of the meanings of indentured labor, plantation capitalism and mediated life through a focus on shipwrecks. Some of the most enduring mythographies of tropical islands derive from an 18th century French romance novel, Bernardin de Saint-Pierre’s Paul et Virginie (1787). It describes the idyllic childhood of two white European children who grow up in Mauritius and tragically perish in a shipwreck. Drawing on this story and its spin-offs, I consider a cultural and mediatic history of shipwrecks and the material things that spill out from them. Paper, wood, oil, metal, flesh, and bone; each of these things carries media histories of meaning-making be it as carriers of human cargo (wooden ships), instruments of commercial exchange and colonial bureaucracy (paper currency, paperwork), or as inscriptions of racial, gendered, and caste violence (drowned bodies). From such a vantage point, when the bulk carrier ship MV Wakashio ran aground off the coast of Mauritius in July 2020 it allowed a momentary flash of historical and cultural insight into the entanglements of imagined islands, colonial trade routes, neo-imperial commodity traffic, and the lives of fish, coral, and islandic humans. My methods in this talk are inspired by what might be called the diagnostic logics of cultural theory as practiced by Siegfried Kracauer and Walter Benjamin, with their pursuit of symptoms and surfaces. Debashree Mukherjee is Assistant Professor of film and media in the Department of Middle Eastern, South Asian, and African Studies at Columbia University in New York. Her first book, Bombay Hustle: Making Movies in a Colonial City approaches cinema as a history of material practice and practitioners. Her next project presents a media history of indenture and South-South migrations, spanning photography, communications infrastructures, and film traffic. Debashree edits the peer-reviewed journal BioScope: South Asian Screen Studies and has published in journals such as Film History and Feminist Media Histories .…

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To Govern and Distract: A Reading of Siegfried Kracauer's 'The Cult of Distraction' (1926)

för 5 years sedan

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Im März 1926 hat Siegfried Kracauer einen in der Frankfurter Zeitung veröffentlichten Artikel under dem Titel “Kult der Zerstreuung: Über die Berliner Lichtspielhäuser”. Dieser Text ist keine Verteidigung der derzeitigen Unterhaltungsindustrie, sondern ein Versuch, den Begriff der Zerstreuung von seinem üblichen pejorativen Sinne zu retten, um zu verstehen, wie die Massen ihre Emanzipation durch den Film erleben können. Wir werden untersuchen, wie diese kritische Stellungnahme auch eine Antwort auf die Steigerung der Propaganda in Europa durch die Staatsapparate ist, die im Gegensatz zu Kracauers Zerstreuung die Massen unausweichlich entfremden. Wir werden deshalb auch diesen Artikel von 1926 mit dem 1942 von Kracauer geschriebenen Text über die Nazipropaganda (“Propaganda und der nazistische Kriegsfilm”) verknüpfen. Letztendlich möchten wir zeigen, wie der “Kult der Zerstreuung” ein politisches Werkzeug für unsere Zeiten ist, in denen Politiker wie etwa Donald Trump oft durch Zerstreuung regieren, in dem sie die Massen von ihren wirklichen Alltagsproblemen entfernen. Dork Zabunyan ist Professor für Filmwissenschaft an der Université Paris 8. Er hat Les Cinémas de Gilles Deleuze (Bayard, 2011), Foucault va au cinéma (mit Patrice Maniglier, Bayard 2011), Passages de l’histoire (Le Gac Press, 2013) und L’Attrait du téléphone (mit Emmanuelle André, Yellow Now, 2013) veröffentlicht, und er hat Texte für verschiedene Zeitschriften geschrieben, unter denen Trafic, Cahiers du cinéma, artpress und Critique.…

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ReViewing 1920s Cinematic Impressionism: Germaine Dulac’s Adaptation of Ibsen’s “The Master Builder” or the False Ideal of a Cinema without Theater

för 5 years sedan

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Belle Époque Paris was the epicenter of a diverse reevaluation and reconfiguration of suggestive forms that galvanized the art world, bringing innovative musical compositions, exhilarating dance forms, new pictorial models and widespread theatrical renovation. Germaine Dulac, an early theater critic, feminist filmmaker, and pioneer of an aesthetics of suggestion and sensation, made over 30 fiction films, many marking new cinematic tendencies, from impressionist to abstract. A look at the mid-1920s genesis and context of her unrealized film adaptation of Ibsen’s iconic theater play, The Master Builder -1892, renews our perspective of French cinematic impressionism. Dulac’s Solness le Constructeur/The Master Builder was written in mid-1920s Paris, at the height of avant-garde calls for “cinematic specificity,” and “pure cinema,” a conversation during which notions of “aesthetic idealism” were playing out against “modernist skepticism,” as they had for Ibsen prior. Yet, historical accounts of the 1920s French avant-garde around issues of medium specificity, or the “false ideal” of a cinema without theater, tend to erase a crucial distinction between the traditional and the modern, boulevard theater and symbolist theater, and obscure cinema’s assimilation of modern theater forms, exemplified by Dulac’s Ibsenian adaptation. Symbolist theater’s minimalist acting, its disjunction of word and image via off-scene narration, and its emphasis on abstraction, suggestion, and sensation, are just a few of the critical influences on the suggestive stylistic practices of a socially progressive 1920s French art cinema. Taking inspiration from her unrealized project, The Master Builder, and the Ibsenian notion of a “false ideal,”—for Dulac, that of a cinema without theater, this essay attempts to redress this historiographic disjuncture and to reestablish the influence of Symbolist theatrical scenography and performance on 1920s French Impressionist cinema. Tami Williams is Associate Professor of Film Studies and English at the University of Wisconsin-Milwaukee, and president of Domitor – the International Society for the Study of Early Cinema. She is the author of Germaine Dulac: A Cinema of Sensations (2014), co-editor of Global Cinema Networks (2018), editor of The Moving Image, 16.1: Early Cinema and the Archives (2016), and co-editor of Performing New Media, 1895-1915 (2014). She also is a coordinator for the Women Film Pioneers Project (France) and the Media Ecology Project: Library of Congress Paper Print Pilot (Dartmouth).…

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Von den Rändern ins Zentrum: Ethnizität und das Starsystem des französischen Kinos

för 5 years sedan

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Bis vor kurzem widerspiegelte das Starphänomen in Frankreich wenig von der multi-ethnischen Zusammensetzung der post-kolonialen Bevölkerung des Landes. Die großen Stars waren alle weißer Hautfarbe, und diejenigen, die nicht-weißer Herkunft waren, wurden einfach unter eine farbenblinde nationale Identität subsumiert. Schauspieler von erkennbar nicht-weißer Herkunft wiederum wurden auf stereotype Nebenrollen festgelegt, etwa die des Drogenhändlers in Kriminalfilmen. In den letzten zehn Jahren allerdings hat sich dieses System auf erstaunliche Weise gewandelt. Mehr und mehr Schauspieler mit Migrationshintergrund spielen Hauptrollen, und einige davon sind mit massiven Hits sogar an die Spitze des Starsystems vorgestossen: So etwa Sami Naceri, der Star von Luc Bessons Taxi-Serie, Jamel Debbouze (Astérix et Obélix: Mission Cléopâtre), Gad Elmaleh (Chouchou), Dany Boon und Kad Merad (Bienvenue chez les Ch’tis) und Omar Sy (Intouchables), um nur die sechs Erfolgreichsten zu nennen. Dieser Vortrag geht der Frage nach, was den massierten Erfolg dieser Schauspieler ermöglicht hat. Behandelt werden die Rollen, die sie spielen, und die beruflichen und ideologischen Implikationen ihres Wechsel von den Rändern ins Zentrum des Starsystems und der Prominenten-Kultur in Frankreich. Workshop mit Ginette Vincendeau am Tag des Vortrags von 14–16 Uhr, IG-Hochhaus, Raum 7.312 (Filmsaal). Anmeldung und Auskünfte unter info@kracauer-lectures.de. Ginette Vincendeau ist Professorin für Filmwissenschaft am King’s College London. Sie hat zahlreiche grundlegende Arbeiten über das populäre französische und europäische Kino vorgelegt und schreibt regelmässig für Sight and Sound . Zu ihren Publikationen zählen insbesondere Pépé le Moko (BFI, 1998); Stars and Stardom in French Cinema (Continuum, 2000 and 2004; L’Harmattan 2009); Jean-Pierre Melville: An American in Paris (BFI, 2003); La Haine (I.B. Tauris, 2005) and Brigitte Bardot (BFI Palgrave/Macmillan, 2013). Sie ist die Mitherausgebering von Journeys of Desire, European Actors in Hollywood (BFI, 2006), The French New Wave: Critical Landmarks (BFI, 2009) und A Companion to Jean Renoir (Wiley-Blackwell, 2013).…

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Das bewegte Bild als Medium urbaner Architektur

för 5 years sedan

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In einer Zeit, in der Bildschirme und andere Medientechnologien immer mehr in die bauliche Textur unserer städtischen Räume eingehen, besteht Anlass, die gängigen theoretischen Konzeptualisierungen der Spezifik des Bildschirms als einer flachen Oberfläche für die Projektion von Bewegtbildern einer kritischen Revision zu unterziehen. Dieser Beitrag befasst sich mit Verwendungen von Bildschirmmedien in urbanen, öffentlichen Räumen und zu dem, was man das „Dispositif der Medienarchitektur“ nennen könnte. Er entwickelt einen Zugang, der von einem grundlegend performativen Verständnis von Architektur ausgeht und dieses mit der Frage nach der Spezifik von Bildschirmmedien und interaktiven Medien verknüpft. Wie also können wir das zugleich mobile und ortspezifische Dispositiv der gegenwärtigen Medienarchitektur beschreiben, und welche Herausforderungen stellt es an die Aufgabe einer Gestaltung urbaner Räume? Diesen Fragen wird der Beitrag anhand der Analyse einer Reihe von aktuellen Projekten nachgehen, die mit Bildschirmmedien in urbanen Räumen arbeiten und deren Gestaltung in besonders prägnanter Weise unsere Beziehung mit den verschiedenen Schichten eines von Medien durchwirkten städtischen Raumes thematisieren. Nanna Verhoeff ist Associate Professor of Comparative Screen and Media Studies am Department for Media & Culture Studies der Universität Utrecht. Ihre Publikationen befassen sich mit verschiedenen Aspekten der Medienkultur, vom frühen Kino bis zu digitalen Medien. So befasst sich The West in Early Cinema: After the Beginning (2006) – mit der Frühgeschichte des Kinos, während Mobile Screens: The Visual Regime of Navigation (2012) eine Medienkomparatistik unterschiedlicher Bildschirmmedien und räumlicher Praktiken entwirft, von Highway-Panoramas und filmischen Installationen bis zu Bildschirmen im öffentlichen Raum, Videospielkonsolen und Navigationsgeräten. Derzeit arbeitet sie an einem Buch über urbane Interfaces und die Figur der Schichtung in und durch Medientechnologien.…

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Die iTouch-Generation: Überlegungen zum “Neo-Zuschauer” des Films jenseits des Kinos

för 5 years sedan

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Dieser Vortrag greift den Begriff des “neo-spectator” auf, den André Gaudreault und Germain Lacasse in den frühen 1990er Jahren in ihren Untersuchungen zum frühen Kino geprägt haben, und wendet ihn auf die gegenwärtige Lage des Films an, in dem Bewegtbilder in den unterschiedlichsten Zusammenhängen jenseits des Kinos auftreten. Heute erweist sich der Begriff als nützlich für unser Verständnis einer neuen Generation von Kinobesuchern, die früh mit den vielfältigen Formen des Films ausserhalb des Kinos vertraut gemacht werden und dadurch in ihrer Wahrnehmung des Films in seinem “ursprünglichen” Zusammenhang vorgeprägt sind. Welche Konsequenzen hat es beispielsweise für die Wahrnehmung des Films, dass der “touchscreen” zur Standard-Technologie für Bildschirmmedien zu werden im Begriff ist? Oder was sind die Wissenseffekte des Anschauens von Filmen auf mobilen Medien wie Tablet-Computern oder Smartphones? Wie beeinflussen die Fertigkeiten im Herstellen von Filmen und im Gebauch der neuen portable Medien, die Kinder sich heute früh aneignen, ihre Erfahrung als Filmzuschauer? Wanda Strauven ist Associate Professor für Filmwissenschaft an der Universität Amsterdam. 2014 lehrt sie als Gatprofessorin an der Università Cattolica in Mailand und an der Goethe-Universität Frankfurt. Ihre Forschungsthemen sind das frühe Kino, der italienische Futurismus, Medienarchäologie und Materialität und Ökologie der Medien. Neben der Monographie Marinetti e il cinema (2006) hat sie unter anderem die viel beachtete Anthologie The Cinema of Attractions Reloaded (2006) herausgegeben. Ihre Texte wurden unter anderem publiziert in Cinémas, Cinéma & Cie, Iluminace, New Review of Film and Television Studies and NECSUS: European Journal of Media Studies.…

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Der neue Leib. Das materielle Nachleben der Bilder

för 5 years sedan

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Ist das Internet tot? Das ist keine metaphorische Frage. Sie unterstellt nicht, dass das Internet dysfunktional, nutzlos oder aus der Mode gekommen sei. Stattdessen geht es buchstäblich um die Frage, ob das Internet tot ist, gestorben ist, und ob jemand es umgebracht hat. Können wir jemanden vor Gericht ziehen für diese Tötung, und welches Gericht ist dafür zuständig? Anderseits: Wie könnte jemand überhaupt je einen solchen Verdacht schöpfen? Das Internet ist heute mächtiger als je zuvor. Es hat die Einbildungskraft, die Aufmerksamkeit und die Produktivität einer ungekannten Masse von Menschen auf sich gezogen. Nie zuvor waren mehr Menschen abhängig, vestrickt in, überwacht durch, und ausgebeutet vom Internet. Es erscheint überwältigend, verwirrend und alternativlos. Woher also überhaupt der Verdacht, dass das Internet tot sein könnte? Workshop mit Hito Steyerl am Tag des Vortrags von 14–16 Uhr, IG-Hochhaus, Raum 7.312 (Filmsaal). Anmeldung und Auskünfte unter info@kracauer-lectures.de. Hito Steyerl ist Filmemacherin, Autorin und Medientheoretikerin in Berlin. Sie lehrt künstlerische Medienpraxis an der Universität der Künste in Berlin. Zu ihren letzten Arbeiten zählen: The Kiss 2012, Adorno’s Grey 2012, The Body of the Image 2012 (performance), Abstract 2012, Guards 2012; sowie die Vorträge Probable Title: Zero Probability (2012) with Rabih Mroué and I dreamed a dream (2012). Ihre jüngste Publikation ist: The Wretched of the Screen, eine Essaysammlung (2012).…

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Eisensteins Medienarchäologie: Zu den Vorarbeiten zu einer „Allgemeinen Geschichte des Kinos”

för 5 years sedan

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Sergei M. Eisenstein arbeitete in den letzten beiden Jahren seines Lebens am Projekt einer Allgemeinen Geschichte des Kinos . Er hinterließ das Projekt bei seinem Tod im Februar 1948 unvollendet. Eisensteins letzte große theoretische Unternehmung lässt sich unter verschiedenen Gesichtspunkten lesen: Als Überblick über die intermedialen Beziehungen des Kinos zu den anderen Künsten; als eine großangelegte Genealogie aller Medien, die man als Vorläufer der Ausdrucksmöglichkeiten des Kinos verstehen kann; als Versuch, eine Anthropologie der Bilder zu entwickeln, die dem Kino seinen Ort in einem breiten Spektrum von Medien zuweist, angefangen bei Totenmasken, Abgüsse von Körperteilen und Mumien; und schließlich als eine Medienarchäologie , die sich darum bemüht, verschiedene Modelle der historischen Entwicklung in Anschlag zu bringen, um den historischen Ort des Filsm als Medium zu verstehen: Seine Vorgschichte, seine Gegenwart (in den Jahren 1946-48), und seine künftigen Entwicklungen, die sich mit der Einführung von 3D-Kino und Fernsehen schon abzeichnen. Antonio Somaini is Professor of Film, Media, and Visual Culture Theory at the Université Sorbonne Nouvelle Paris 3. His research deals with the film, media and montage theories of the 1920s and 1930s, and with issues related to contemporary visual and media culture. The English translation of his 2011 book Eisenstein. Cinema, Art History, Montage is forthcoming by The University of Illinois Press. His edition of Sergei M. Eisenstein’s Notes for a “General History of Cinema” has been published in French in 2014 by the Editions de l’AFRHC (Association Française de Recherche sur l’Histoire du Cinéma), and is forthcoming in English by Amsterdam University Press.…

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Stop + Motion: Über Animation, Bewegungslosigkeit und Innervation

för 5 years sedan

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In einem von Hast und Eile geprägten Moment der Geschichte, in dem wir individuell und als Gesellschaft darum bemüht sind, mit dem atemlosen, von der Technologie bestimmten Rhythmus des täglichen Lebens Schritt zu halten, stellt dieser Beitrag die Frage nach der phänomenologischen Relevanz und der kulturellen Bedeutung des „stop motion animation“-Verfahrens. Anstelle einer Theorie des „stop motion“-Animation entwirft der Beitrag eine Poetik dieses Verfahrens, das mit diskontinuierlichen Einzelbildern arbeitet, und nimmt dabei die Momente des Innehaltens und der Widerständigkeit, aber auch der Verletzlichkeit des Materials zum Ausgangspunkt, die in einem merklichen Kontrast, ja in einem offenen Gegensatz zum Tempo des Alltagslebens stehen und einem wachsenden Gefühl körperlicher Erschöpfung Ausdruck verleihen. Die „stop motion“-Animation verabschiedet sich damit auch von der „plasmatischen“ Qualität der Computeranimation und enthüllt stattdessen die Spuren einer im Material gegründeten Anstrengung, die sich nicht als das „Andere“ der Bewegung darstellt, sondern als ihre existenzielle Struktur. In den Schweremomenten der „stop motion“-Animation tritt zutage, was wir vorsprachlich und körperlich immer schon wissen, die Imperative unserer Kultur aber bestreiten: Dass nämlich die Animation, die Belebung, im Leben wie im Kino, ein hohes Mass an Arbeit verlangen, und dass es Grenzen der Energie und der Verausgabung gibt. Vivian Sobchack ist Emerita für Filmwissenschaft im Department of Film, Television and Digital Media sowie ehemalige Associate Dean der School of Theater, Film and Television der University of California in Los Angeles. Zu ihren Publikationen zählen Screening Space: The American Science Fiction Film; The Address of the Eye: A Phenomenology of Film Experience; Carnal Thoughts: Embodiment and Moving Image Culture sowie zwei Herausgaben, The Persistence of History: Cinema, Television and the Modern Event und Meta-Morphing: Visual Transformation in the Culture of Quick Change. 2012 erhielt sie den Society for Cinema and Media Studies‘ Distinguished Career Achievement Award für ihre wissenschaftliche Lebensleistung.…

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Vom Reflex zur Reflexion: Erfahrung und Erklärung in der Erforschung des Films

för 5 years sedan

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Was ist Kino? Eröffnet es uns spezifische künstlerische Möglichkeiten und einen eigenständigen Typus der Erfahrung? Und wenn ja, welche Methoden eignen sich am besten für die Erforschung des Films? Diese Fragen wurden im Zuge der Geschichte des Films und der Filmtheorie immer wieder aufgeworfen. Dieser Vortrag soll einen Überblick über die verschiedenen Dimensionen unserer Erfahrung des Films geben und zugleich die Position einer naturalisierten Ästhetik des Films vertreten. Mehr als alle anderen Kunstformen spricht der Film uns auf einer Vielzahl von Ebenen an, von den spontanen Reflexen über die verschiedenen Ebenen der Alltagswahrnehmung, des Problemlösens, des Gedächtnisses und der Gefühle bis hin zu den abstraktesten Ebenen der Metakognition, insbesondere auch derjenigen, der wir den Namen „philosophische Reflexion“ gegeben haben. Diese unterschiedlichen Ebenen des Erkennens und der Erfahrung, so die These des Vortrags, lassen sich am besten im Horizont eines naturalistischen Zugangs verstehen, der unser Verständnis des menschlichen Verhaltens im Allgemeinen – und von künstlerischen Phänomenen im Besonderen – mit unserem Wissen über die Welt verknüpft, wie wir es aus den Natur- und Gesellschaftswissenschaften gewinnen können. In Kooperation mit dem Exzellenzcluster „Die Herausbildung normativer Ordnungen“. Murray Smith ist Professor für Filmwissenschaft an der University of Kent in Canterbury, Ko-Direktor des Aesthetics Research Centre der University of Kent und Präsident der Society for Cognitive Studies of the Moving Image. Er hat eine Vielzahl von Publikationen zu Film, Kunst und Problemen der Ästhetik vorgelegt. Zu seinen wichtigsten Publikationen zählen: Engaging Characters: Fiction, Emotion, and the Cinema (Oxford, 1995); Trainspotting (BFI, 2002); Film Theory and Philosophy (Hg. mit Richard Allen) (Oxford, 1997); Contemporary Hollywood Cinema (Hg. mit Steve Neale) (Routledge, 1998); und Thinking through Cinema (Hg. mit Tom Wartenberg) (Blackwell, 2006). Sein aktuelles Buchprojekt trägt den Titel Film, Art, and the Third Culture und wird bei Oxford University Press erscheinen.…

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Earth Speaks: Cinema, Representation and Extractive Aesthetics

för 5 years sedan

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In Zusammenhang mit der aktuellen Klimakrise und der immer heftigeren Gewalt gegen die Umwelt sind Fragen der Darstellung vorrangig. Visuelle Kulturen bestimmen, wie der anthropogenische Klimawandel wahrgenommen, verstanden und wie damit umgegangen wird. Vor allem hat das Kino die ästhetische Herausforderung angenommen, Zeuge zu sein von “slow violence” (Nixon) und “quasi-events” (Povinelli) – von akkumulierenden, oft nicht wahrnehmbaren Bedingungen, die sich in die Zukunft ergießen, und die schon in der Gegenwart präemptiv gefühlt worden sind. Des Weiteren sind die Unzulänglichkeiten der politischen Repräsentanz – quer über die Spaltungen von Rasse, Ethnizität, Klasse und Geschlecht – sichtbar im verbreiteten Klimakolonialismus und Umweltrassismus geworden. Entscheidend hier sind die darstellerischen Zwickmühlen in Bezug auf Begriffe wie „Stimme“, „Agency“, „Erzählung“, Souveränität und Übersetzung, mit denen sich post- und dekoloniale Theorien seit Jahrzehnten auseinandersetzen. In diesem Fall erweitern sie sich zu den Verhältnissen zwischen Menschen und der Umwelt, und der Fähigkeit der Selbstdarstellung. Genauso gefährlich wie die Fehldarstellung und die Verkennung ist das Risiko der Überdarstellung als Überdeterminiertheit, und die Erfassung der Differenz. Welche Darstellungsstrategien sind für uns verfügbar, damit wir diese Situation bewältigen können? Im Rahmen der globalen extraktiven Wirtschaft, wie könnte eine nicht extraktive, nicht aneignende Ästhetik aussehen? Mit Bezug auf mehrere Beispiele frage ich: was ist die Rolle der filmischen Praxis, ob experimentellen oder nicht? Shela Sheikh is Lecturer in the Department of Media, Communications and Cultural Studies at Goldsmiths (University of London), where she convenes the MA Postcolonial Culture and Global Policy and co-chairs the Goldsmiths Critical Ecologies Research Stream . Prior to this she was Research Fellow and Publications Coordinator on the ERC-funded Forensic Architecture project (also Goldsmiths). She lectures and publishes internationally. Her research interrogates various forms of witnessing, between the human, technological and environmental. A recent multi-platform research project around colonialism, botany and the politics of planting includes a special issue of Third Text co-edited with Ros Gray, “The Wretched Earth: Botanical Conflicts and Artistic Interventions” (vol. 32, issue 2–3, 2018), and Theatrum Botanicum (Sternberg Press, 2018) co-edited with Uriel Orlow, as well as numerous workshops on the topic with artists, filmmakers and environmentalists.…

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FILMKRITIK, 1975 bis 1984. Eine Filmzeitschrift zwischen Kino und Fernsehen

för 5 years sedan

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Die Zeitschrift Filmkritik, 1957 unter anderem von Enno Patalas gegründet und später von Autoren und Filmemachern wie Hartmut Bitomsky, Harun Farocki, Wolf-Eckhart Bühler oder Peter Nau übernommen, bezog sich zunächst stark auf Siegfried Kracauer und die Kritische Theorie. In den 1960er Jahren war sie Schauplatz von Debatten, die nicht nur einzelne Filme und Regisseure betrafen, sondern immer auch die Voraussetzungen und Besonderheiten des Schreibens selbst. Frieda Grafe, Helmut Färber, Enno Patalas oder Herbert Linder folgten der Prämisse, dass Filmkritik nicht heißen könne, über Filme zu schreiben, sondern dass aus der Begegnung mit dem jeweiligen Film eigene Formen resultieren müsse. Die Vorlesung konzentriert sich auf die letzte Dekade der Filmkritik, eine Zeit, in der die Redakteure – in vielen Fällen zugleich auch Filmemacher – Strategien entwickelten, das Format der gedruckten Monatszeitschrift zu überschreiten und zwischen Filmen, Schreiben und Fernsehbeiträgen wechselten. Auf die Frage, wie die Filmkritik in den 1970er Jahren funktioniert habe, antwortete der Filmkritik-Autor Hanns Zischler kürzlich: „Sie funktionierte nicht.“ Im Vortrag geht es um den produktiven Seiten dieser Dysfunktionalität, die Abkopplung von Aktualitätsbehauptungen und die polemische Gegnerschaft gegenüber der damaligen publizistischen Landschaft. Volker Pantenburg ist nach Stationen an den Universitäten Münster und der Bauhaus Universität Weimar seit 2016 Professor für Filmwissenschaft an der Freien Universität Berlin. Er forscht, lehrt und schreibt unter anderem zu essayistischen Praktiken sowie Arbeiten im Schnittfeld von Kino und Museum. Buchpublikationen (Auswahl): Ränder des Kinos. Godard – Wiseman – Benning – Costa (2010), Screen Dynamics. Mapping the Borders of Cinema (Mitherausgeber, 2012), Wörterbuch kinematografischer Objekte (Mitherausgeber, 2014), Cinematographic Objects. Things and Operations (Hg., 2015) und Kino-Enthusiasmus. Die Schenkung Heimo Bachstein (Mitherausgeber, 2016). 2015 gründete er gemeinsam mit anderen das „Harun Farocki Institut“, in dessen Vorstand er tätig ist.…

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Darstellen für und gegen die Kamera: Zu Stephen Winters „Jason and Shirley“, 2015

för 5 years sedan

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Dieser Vortrag behandelt Jason and Shirley von Stephen Winters, eine filmische Fabel über die Dreharbeiten zu Shirley Clarkes Portrait of Jason (1967). Für seine absichtsvoll unzuverlässige Erzählung über historisch verbürgte Ereignisse ist der Film gleichermaßen gelobt und kritisiert worden. Während die historische Rekonstruktion eine zulässige Weise der Wiedergewinnung der Vergangenheit darstellt, wird dieser Vortrag die These vertreten, dass die Fabulation eine ebenso zulässige Variante darstellt, zumal aus der Sicht derer, die dem Machtgefüge der dokumentarischen Aufzeichnung und Wiedergabe ausgesetzt sind. In dem Vortrag gehe ich von den Arbeiten des Filmtheoretikers Marc Siegel und der schwarzen feministischen Theoretikerin Hortense Spillers aus, um die Frage nach der „Normativität“ oder „Gegennormativität“ von Winters historischer Rekonstruktion zu stellen. Queer theory, so wird bisweilen gesagt, ist immer schon anti-normativ eingestellt. Sie glorifiziert rückhaltlos ihre eigene Transgressivität und ihre Regelverletzungen. Vertreter dieser Position sprechen sich mitunter für ein Sowohl-als-auch-Model der Anerkennung von Geltungsansprüchen aus, bei dem normative und anti-normative Haltungen gleichermaßen ernst genommen werden sollen. Mit seiner freihändigen Improvisation über verbürgte historische Tatsachen scheint Jason and Shirley von uns allerdings eine andere Haltung zu verlangen, eine Haltung des Weder/Noch. Dieser Haltung zufolge kann der Ethos der Wiederherstellung und der Rekonstruktion des Vergangenen ebenso wenig einen Geltungsanspruch einfordern wie die Glorifizierung der Transgression um ihrer selbst willen. Tavia Nyong’o ist Kritiker und Associate Professor im Department of Performance Studies der New York University. Sein erstes Buch, The Amalgamation Waltz: Race, Performance, and the Ruses of Memory (Minnesota, 2009), wurde mit dem Errol Hill Award für das beste Buch im Bereich African American theatre and performance studies ausgezeichnet. Er arbeitet derzeit an einer Studie über Fabulation in der schwarzen Ästhetik. Er ist Mitherausgeber der Zeitschrift Social Text und der Buchreihe Sexual Cultures der New York University Press. Er veröffentlicht regelmässig Blog-Einträge auf Bully Bloggers.…

Kracauer Lectures in Film and Media Theory

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Digital Archives and Methods for Media Historiography

för 5 years sedan

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Over the past two decades, academic and cultural heritage institutions have made significant progress in the digitization of audiovisual media content and related materials, such as archival records, newspapers and program guides. In correspondence to these digitization efforts, media scholars have increasingly adopted software available for the creation of databases with structured data on various aspects of the production, distribution and reception contexts. And finally, various new tools have been developed for exploring these new, digital collections and analyzing the data contained in them, such as tools for text mining, image analysis, geographical mapping or network visualization (Ross et al. 2009; Acland and Hoyt 2016). In combination, these advances enable the development of new forms of analysis, which were very difficult in the past, such as exploring large audiovisual collections for historical trends in genre and visual idiom, or tracing evolving political and cultural narratives in such collections across different media and over longer periods of time. At the same time, during their digitization and subsequent processing in computational tools for search, analysis and visualization, analogue sources are transformed in ways that influence their status as sources of knowledge and that require new forms of literacy to assess the impact of these transformations on interpreting them. This lecture focuses on the epistemological and methodological consequences of working with digitized archival sources and digital tools in media historical research. It is based on ongoing research in the field of digital media historiography and recent experiences with building the CLARIAH Media Suite , part of the Dutch national infrastructure for digital humanities research. Such a reflection starts at the archive: the context in which these sources have been collected, preserved, organized and made accessible. How do media objects transform with digitization, what information is lost, what is added? Second, I focus on the interfaces that provide access to digitized archival collections, analyzing the ways in which they allow researchers to assess the archival processing of the underlying material. Finally, I reflect on the new methods needed to work with these digitized collections in the practice of media historical research. In Kooperation mit dem BMBF-Projekt „Die universitäre Sammlung als lebendes Archiv –Lehre und Forschung im Spannungsfeld von Materialität und Medialität“ Julia Noordegraaf is professor of Digital Heritage in the department of Media Studies at the University of Amsterdam. She is director of the Amsterdam Centre for Cultural Heritage and Identity ( ACHI ), one of the university’s research priority areas , where she leads the digital humanities research program Creative Amsterdam ( CREATE ) that studies the history of urban creativity using digital data and methods. Noordegraaf’s research focuses on the preservation and reuse of audiovisual and digital heritage. She has published, amongst others, the monograph Strategies of Display (2004/2012) and, as principal editor, Preserving and Exhibiting Media Art (2013) and acts as principal editor of the Cinema Context database on Dutch film culture. She currently leads research projects on the conservation of digital art (in the Horizon 2020 Marie Curie ITN project NACCA ) and on the reuse of digital heritage in data-driven historical research (besides CREATE in the Amsterdam Data Science Research project Perspectives on Data Quality and the new, NWO funded project Virtual Interiors as Interfaces for Big Historical Data Research ). She is a former fellow of the Netherlands Institute for Advanced Study in the Humanities and Social Sciences and acts as board member for Media Studies in CLARIAH , the national infrastructure for digital humanities research, funded by the Netherlands Organization for Scientific Research, NWO. Noordegraaf currently coordinates the realization of the Amsterdam Time Machine and participates as Steering Committee member in the European Time Machine project that aims to build a simulator for 5.000 years of European history.…

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